对话9位设计大咖，聊AIGC冲击下的平面设计

来源：BranD的好奇心
原标题：我们和奈良美智、Sebastian Curi等顶级艺术家，聊了哪些走出平面危机的思路？

随着ChatGPT在全球范围内的火爆，有关AIGC（AI Generated Content）的应用也逐渐走入了大众视野，急迫又激烈的讨论就像在迎接一场一触即发的设计革新。要知道，科技的高度普及不仅让非专业人士获得更多的设计渠道，还将重新定义设计师的角色。

未来平面设计将面临什么危机？受西方设计美学主导至今的平面设计是否会迎来一场革命性的变革？这两个话题几乎成为设计圈每日讨论的焦点。

思考设计是困难的，但不思考它可能是灾难性的。——拉尔夫·卡普兰

面对风格固化和AIGC的“双重夹击”，时代的观点和视角都参差不齐，我们需要一些专业、清醒和独立的声音。因此，我们采访了9位来自不同国家里的设计界佼佼者，从过去到现在，他们的作品对平面设计产生着重要的影响。接下来，看看他们都是如何面对、思考并走出设计危机的。

走出危机，我们将走进一个更具创造性和实验性的领域。——雷纳塔·马克斯·莱托&莱斯利-安·诺埃尔

一、如何让动态进化？

自20世纪以来，数字技术倍速发展，动态设计成为不可或缺的视觉形式。设计师不仅需要掌握平面设计知识，还要掌握动态设计来应对更复杂的需求。

Felix Pfäffli就是成功跃进动态设计时代的设计师。他一方面相信视觉设计的基本原则依然是重要的基础；另一方面认为设计师要时刻关注行业发展趋势，积极学习运用新技术，以免故步自封。尽管面临复杂的设计任务，好奇心、直觉依然是Felix Pfäffli重要的驱动力。

Felix Pfäffli
菲利克斯・普菲夫利瑞士平面设计师、AGI会员

ins：studiofeixen

Felix Pfäffli是设计工作室Feixen的创始人。自2011年起，他在瑞士卢塞恩平面设计学院教授海报设计、生成设计和活动设计。他参与多个设计领域的工作，如平面设计、版式设计、动画设计、家具设计和室内设计，并与苹果、谷歌和三星等公司，以及当地的小型文化机构进行合作。

他在2013年加入AGI，是当时最年轻的成员，在全球各地举办讲座、组织展览、研讨会并屡获殊荣。

我把新工具和新技术视为一种在设计中探索创新性语言的机会，看到它们带来的全新可能总让我激动不已。

Q：目前动态设计主要有哪些发展趋势？作为高校教育者，设计课程要如何及时更新这方面的知识？

A：在我看来，编程和人工智能绝对是动态设计的趋势，设计师应该与时俱进。作为一名教育工作者，我认为设计课程应该时常更新。教会学生如何在作品中使用新工具和新技术，以及思考如何借助它们来改善其设计，这一点颇为重要。

我把新工具和新技术视为一种在设计中探索创新性语言的机会，看到它们带来的全新可能总让我激动不已。这段文字实际上是我与人工智能合作编写和翻译的。那些抵制全新可能性的人很可能会错过在该领域的诸多成长和发展机会。

二、不同媒介如何混合？

从现实世界到虚拟世界，除了传播的媒介越来越多元，辅助设计师的设计工具也层出不穷。设计师对于媒介的选择需要考虑繁多。

对于设计工作室N&MS的Nam Huynh和Mark Bohle来说，最好的方法就是不作选择。他们对手绘、静态、动态、3D等设计媒介信手拈来，并大胆地应用在同一设计中，保留甚至放大其矛盾的特点，创造出混沌又好玩的视觉乐园。

N&MS
设计工作室

官网：https://nandms.com/

N&MS是由Nam Huynh和Mark Bohle组成的设计工作室，自2021年起在西班牙巴塞罗那和德国斯图加特运营。N&MS对视觉文化、美学研究及其演变有着浓厚的兴趣，可以提供多样化的设计服务。

由于他们倾向于即兴创作，其项目范围从粗略的手绘插图，到整洁的三维效果图均有囊括，后者以静态、动态或互动等形式呈现。该工作室已获得多个国际奖项，如第11届肖蒙平面设计双年展的希望大奖。

如果你把一个画面当作一束花，那么细节看起来如何就不那么重要了，关键是你如何编排。

Q：你们的作品会混合不同的创作媒介。在融合的过程中最具挑战性的是什么？

A：由于我们已经习惯了这种融合的工作流程，最大的挑战可能并不是融合一切，而是专注于一种方式。但我们还是喜欢一个可以融合多种表达方式的设计，特别是当它们相互矛盾的时候：严肃却又显得有点犯傻，就像美人身上长着一颗奇怪的痣。这就是人类。

三、如何改变环境情绪？

当动态、3D、VR、AI等新技术日渐垄断人们的注意力时，静态的平面设计真的不被需要了吗？静态的图像真的不能像新媒体那样给人带来可以深度互动和沉浸的体验吗？静态的平面设计还有什么出路呢？

荷兰设计工作室Studio Spass的实践，鼓励设计师拆掉传统方正、规矩的广告牌，寻找和占领新的平面空间，不仅走进自然环境，爬上建筑的屋顶，还潜入家居产品中，或者化身为雕塑，通过视觉设计让空间中的一景一物都在说故事，让人们重新认识并积极探索以往忽视或者遗忘的日常空间和事物。

Studio Spass
荷兰设计工作室

官网：https://studiospass.com/

Studio Spass是一家总部位于荷兰鹿特丹的设计工作室，工作范围主要包括识别设计、活动设计和空间设计。该工作室由Jaron Korvinus和Daan Mens创立，将严谨、理智、周全的方法与俏皮感相结合，致力于探索视觉系统的边界以及视觉的多种表现形式。对既定的空间做出反应往往是其创作过程的起点，这个过程完美地融合了他们对形式、材料和互动的痴迷。

面对不同的语境和工具，始终保持创新、真实和灵活，就会产生独特的作品。

Q：行业中有哪些新事物或变化让你们有危机感？你们如何面对它们？

A：作为规模较小的独立工作室，我们能够灵活地应对巨大的挑战。在德语中，“Spass”意为“乐趣”，这的确是我们的核心基因。我们试图在设计过程中获得乐趣，并以某种方式转化成最终结果和传达给其用户。

当谈及地球时，我们关心的是负责任的行为，并不断学习、分享以及与志同道合的伙伴和倡议者合作，旨在与更多的受众建立连接，哪怕只能启发当中的某一个人。当谈到设计过程时，我们注重自己所使用的材料和使用方法，但总是有创新和改进的空间。

由于过去的几年不能经常出差，我们意识到要减少对于委托项目的依赖，并在独立项目和协助实验里重新发现了一些乐趣。同时，我们开始运营自己的Spass商店。

四、如何跨学科重塑视觉？

自动化、智能化的趋势降低了设计工具操作的门槛，让“人人都可以成为平面设计师”成为可能。如果真的如此，设计师的核心竞争力又在哪里呢？与此同时，在全球化和大数据的环境下，设计趋同问题日益严重，设计师如何突破视觉语言创新的瓶颈？

来自俄罗斯设计工作室Facultative Works的Lesha Galkin和Olia Marchenko就是从建筑和生物科学领域跨界到视觉设计行业的，并凭借他们专业的学科知识和经验刷新了设计行业的视觉图景。除了视觉设计，他们还涉及家具、室内等领域。他们的创造力在不同领域的实践中不断循环，生猛进化。

Facultative Works
俄罗斯设计工作室

Ins：facultative.works

Facultative Works设计工作室由Lesha Galkin和Olia Marchenko创立。他们刚开始只想在闲暇时间设计有趣的实验项目作为消遣，后来工作室的影响力越来越大。从平面设计到室内设计和音乐，他们致力于在作品中传达一种自由和无限的感觉。

他们从自然界和生物技术中获得了丰富的灵感，奇异而神秘的形态与机械相碰撞，创造出一个陌生而和谐的世界。这是一场多学科创造力的盛宴，但他们在设计时也会考虑到设计的职责。

我们认为这种建筑结构和混沌自然的结合正是我们独特的设计特征。

Q：你们曾说过：“未来更多的是关于技术。技术很重要，而不是形式。” 可以结合平面设计行业的现状谈谈吗？

A：这主要与物品设计和材料有关。曾经有一段时间，人们似乎已经用尽了所有可以用于制作家具的材料，他们只是在改变家具的形状。如今，我们拥有更多的可持续和实验性材料，于是对技术材料的选择优先于对新形式的探索。

五、NFT不仅是交易市场

与实体艺术收藏品相比，数字艺术一直面临着交易的困境，因为它在网络上容易被复制和扩散而难以保证唯一性。近年，依托区块链技术的NFT在一定程度上解决了这个问题。然而，跟很多新事物一样，NFT来势汹汹，但来不及让大家好好去了解它，热度就悄悄下降了。

在2021年初，印度尼西亚艺术家Ardhira Putra就开始进入NFT的世界，尽管最近市场有所下跌，他依然坚持和享受NTF艺术的创作。他可以自由地创作个人的实验作品，尤其是通过平衡2D和3D技术实现在现实世界中无法完成的视觉创意。通过在NFT平台上分享自己的作品，他也认识到世界各地的艺术家朋友和藏家，得到更多的欣赏和启发。

Ardhira Putra
阿迪拉・普特拉
印度尼西亚艺术家

ins：ardhiraputra

Ardhira Putra是常驻新加坡的印度尼西亚艺术家，热衷于融合不同维度的媒介，将自己的怀旧情怀转变为一个缤纷多彩的时髦宇宙。他的插图和动画处处可见受启于20世纪80–90年代的人物、广告标签和流行视觉元素。他不仅为国际音乐家和音乐活动进行视觉设计，还独立或联合三星等国际品牌进行NFT项目。他也是印度尼西亚电影节最佳动画的获奖者。

在NFT世界里，我总想实现实体艺术印刷品做不到的事情，因此我会更专注于动画本身。

Q：对于艺术创作者来说，新技术将给艺术带来什么？

A：对我来说，更为重要的新技术是关于如何对数字艺术进行授权，正如NFT所做的。真的很难避免有人复制或窃取你的艺术作品并在网上出售，因此能保障数字艺术的安全性的技术在未来将是重大的革新。

多亏了NFT，我们现在可以真实地追踪数字艺术的去向，而且我们也终于可以在NFT展览中出售作品，就像在现实里的艺术社区一样。

六、AI如何增强创意？

2023年是AIGC（人工智能生成内容）爆发式增长的一年。当大家惊叹ChatGPT能做到的事情时，OpenAI又快速推出更强大的GPT-4。从写邮件、制作精美PPT到做试题、写论文，AI工具似乎无所不能，渗透到各行各业。

在设计和艺术领域，AI技术的迭代更新也不容轻视，从不同方面增强创意。其中最具代表性的是DALL·E 2、Midjourney和DreamStudio等AI艺术生成器。

此外，还有设计不同视觉元素的AI，如搭配字体的Fontjoy、设计标志等品牌视觉识别的Looka；制作不同媒介的，如制作视频的Fliki、生成NFT的Wombo Art；处理图形细节的，如抠图的Remove.bg、调色的Palette.fm。

使用AI生成的部分作品

2023年最佳AI艺术生成器。

1、Midjourney

Midjourney的独特之处在于整个系统都在Discord（一个即时聊天APP）中运行。当你进入Midjourney网站时，就会自动连接到Discord页面，受邀开通帐户，然后加入其中一个新手频道。

一旦你进入运行页面， 生成艺术就变得极其简单。你只需输入“/imagine”，就会出现一个提示框。输入短语，你将获得4幅图像，其中包含一些升级选项。这很适合那些想要经济实用型的艺术生成器的人。

2、DALL・E 2

DALL・E 2使用GPT-3，这是目前最先进的机器学习算法之一。它还使用CLIP（对比语言-图像预训练），让AI能够生成准确的结果。

使用AI生成的动态图像作品

3、DreamStudio

DreamStudio使用稳定扩散（Stable Diffusion）学习模型，根据提示来生成图像。其结果十分出众，甚至有传言说，这款生成器比DALL・E 2更优秀。

4、Wombo Art

如果你正在寻找一种快捷、简便的方法来创建独特NFT，那么Wombo Art是为你量身定制的AI艺术生成器。Wombo的独特之处在于，它是一款可以让你随时随地创建图像的APP。其便携性使之易于操作，只要最基本的提示语就可以生成艺术。

使用AI生成的动态图像作品

七、AI入侵艺术？

在目前来说，AI工具确实无法代替人类，因为AI工具完成作品是靠“生成”，不是“创作”，亦不是“画”。由人手绘制出来的笔触所蕴含的情感、运笔时的力度与角度，以及笔锋之下所隐藏的禅意，这是AI工具永远无法理解的复杂情感，更谈何学习和复制。

AI工具的出现也许能让人们产生危机感，但这并不是一个危机。正如艺术家Isu Kim和Sebastian Curi所述，即使创作工具再迭代更新，它们也只是为人所用的工具，主动权永远握在人们的手里。

在面对奈良美智的作品时，AI也无法读取其所蕴含的个人经历和创作精神。因此AI绘画或许能学习和分析奈良美智、Kim和Curi的选色机制和作品特征，但隐藏在每个主题下的故事和内涵是它难以通过算法和数据库组建出来的。

Sebastian Curi
塞巴斯蒂安・柯里
阿根廷艺术家

ins：sebacuri

Sebastian Curi是一位来自阿根廷的艺术家兼动画师。他从事动画行业的时间长达15年，单一的工作模式与无法在工作与生活中取得平衡加剧了他转行的渴望。Curi在一次创作中发现了绘画背后无穷大的创作空间和自由，这使得透过创作发声一事成为可能，于是他便一脚跃进了这个未曾接触过的行业。

Isu Kim
韩国艺术家

ins：isu_kim_

Isu Kim是一位来自韩国的艺术家，毕业于弘益大学视觉传达设计专业，Kim在毕业后将工作重心放在绘画和影像艺术上。对Kim来说，无论借助高科技与否，工具和媒体只是创作视觉元素的一种途径，能牵动人类情感的是隐藏在作品里的叙事和意义，而非工具或媒体。

Yoshitomo Nara
奈良美智
日本艺术家

ins：michinara3

小女孩和白狗是奈良美智作品里的常客，这其实是他内心的愉悦、困惑、孤独，甚至愤怒等情绪的外化表现。奈良美智用画笔轻描淡写般描绘出各有心事的女孩，但从作品的整体出发，不难看出每个作品的背后其实是一个个关于社会、战争、个人内心等重大课题。

八、设计中的民族性

呈现民族性成为设计师创作出独具特色作品的手段之一。巴尔的摩印刷设计师Shivani Paranis在获得生物技术硕士学位后，在公共卫生部门工作了五年。之后，Shivani继续在马里兰艺术学院学习，后来与《纽约时报》、Adobe、Wired和WetTransfer等公司合作，最近在Spotify成为一名创意设计师。

在Shivani的作品中，忠实地表现了东西方的结合，深受“身体和情感”环境的影响。从几何、单色餐具和Donald Judd的家具，再到50年代和60年代的印度图案和手绘招牌，都是强大灵感的来源。

印度设计工作室Boomranng Studio最近为Nike的新个性化服务创作了多幅受家乡孟买启发的插图，他们将孟买的独特地理文化与个人的哲学和审美观点“结合”到复古未来主义的大熔炉中。

九、让设计回归纯粹

为了争夺有限的视线，设计师将手里的作品包装成颜色鲜艳、形态各异的视觉炸弹抛向观者，但多层叠加的工艺也可能会喧宾夺主，转移原本应该聚焦在作品信息上的目光，甚至产生“用力过猛”的结果。

我们不妨回归到以线条勾勒、以纯白为底色的小小世界里。让设计退回辅助作品表达的位置上，用简单、直白的语言去表达、突出产品的特点和原本的面貌，将主场交还给作品本身与人们的想象力。

Nanaya Shinbayashi
新林七也
日本平面设计师

ins：nanayashinbayashi

新林七也出生于日本北海道，毕业于北海道艺术设计学院。他毕业后供职于札幌AMAYADORI设计工作室，擅长平面设计、包装、广告等设计领域，并于2023年成立SHUUGOU设计工作室。

新林七也是JAGDA、札幌ADC的成员，他曾于2022年获得札幌ADC全场大奖，作品曾入围法国肖蒙海报节、金蜂奖等国际设计赛事。

我认为正是因为使用了简单的元素，才能更直观地传达出设计的违和感和趣味性。

Q：现在越来越多设计师会采用动态设计、3D设计等较新的设计形式，而你依然坚持用传统的设计方法来创作。对于新的设计形式你有什么看法？

A：我觉得新的设计形式非常好，我自己也很欣赏那些作品。但创作时，我希望还是尽可能地创作出简单且能赋予观者想象空间的设计，当然啦，也可能是因为我不擅长处理复杂的造型和多层次图形的设计。

十、以设计介入环境危机

设计的能力远比你想象中的更强，要利用设计减轻环境危机，可以分别从“设计链”中的上游与下游入手。

上游指的是采用全天然或可循环材料作为原材料，以此作为产品的基础，以设计的力量重新赋予在地材料的再生机会。

以所展示的作品Bee Loop为例，打破以往利用塑料瓶或玻璃瓶作为蜂蜜包装的惯性思维，设计师以蜂蜡的可溶性。绝缘性和防潮的特点为突破口，将以正六边形罗列在蜂箱中的蜂蜡做成储存蜂蜜的罐子，将自然、生产和产品有机结合在一起。

而下游则指与消费者群体产生交集和协作的层面。在“光景玻璃回收站”这个装置里，设计师将参与回收的群众纳入设计的一环，利用光影的折射向群众投放瓶子的行动做出反馈，达到双向互动的目的，并将“循环利用”这个概念可视化，突出了这个简单而意义深远的行为所蕴含的美感和艺术性。

作者公众号：BranD的好奇心（ID：BranDmag）